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Jul 08, 2023

Finden Sie Ihren Körper: Anwendung der Dalcroze-Eurythmik auf zeitgenössische Musik

Es gibt bestimmte Erfahrungen, die wir alle machen und die uns im Moment neuartig oder trivial erscheinen; Diese Zeiten, in denen wir erwachsen werden und denken: „Muss das jeder tun?“ Aber in einigen Fällen ist das

Es gibt bestimmte Erfahrungen, die wir alle machen und die uns im Moment neuartig oder trivial erscheinen; Diese Zeiten, in denen wir erwachsen werden und denken: „Muss das jeder tun?“ Aber in manchen Fällen erkennen wir umso mehr, wie einzigartig oder bedeutungsvoll sie waren, je weiter wir von diesen Momenten zurücklegen. Wir erkennen, dass uns etwas Wichtiges geschenkt wurde, dessen Bedeutung erst dann zu erblühen beginnt, wenn wir ausreichend darauf vorbereitet sind, es zu sehen.

Als ich ein grüner, junger Studienanfänger an der Carnegie Mellon University School of Music war (Ende der 1990er Jahre), bot mir Dalcroze Eurythmics eine solche Erfahrung. In den 25 Jahren, die ich seitdem als Praktiker und Förderer neuer Musik tätig bin, hat mir der Mangel an Menschen, denen ich begegnet bin, die meine Erfahrungen nachvollziehen können, klar gemacht, wie besonders meine Dalcroze-Ausbildung war. Wie ich herausgefunden habe, bedarf die Anwendung von Dalcroze-Konzepten in zeitgenössischer und avantgardistischer Musik eingehender Überlegung; Wenn menschliche Verbindung erforderlich ist und Musik als Medium dient, ist Dalcroze Eurythmics ein unschätzbar wertvolles Werkzeug.

Eu bedeutet gut, und Rhythmus bedeutet Fluss. Die Kurzdefinition lautet: Wir arbeiten für einen guten Fluss. Musik, die eine eurythmische Schwelle erreicht hat.“

Als ich im Herbst 1998 zu meinem ersten Dalcroze-Seminar erschien, war ich vor allem von dem Druck überwältigt, nicht unbeholfen auszusehen. Die Aufforderung, meine Schuhe auszuziehen und mich flüssig durch den Raum zu bewegen, während unser Professor am Klavier improvisierte, war selbst für den kontaktfreudigsten Studienanfänger fast unverständlich. Was wäre, wenn ich Löcher in meinen Socken hätte? Haben meine Füße schlecht gerochen? Sollte ich die Bewegungen kennen? Gab es „Umzüge“? Was kann mir das möglicherweise beibringen?

Der Begründer dieser Pädagogik, der Schweizer Komponist Èmile Jaques-Dalcroze (1865-1950), lehrte ab den 1890er Jahren Solfège und Harmonielehre am Genfer Konservatorium und interessierte sich dafür, wie Musikalität untersucht werden kann, ohne über Technik oder Ausführungsmethoden zu diskutieren.

„Das Problem war, dass diese Konservatoriumsstudenten zu roboterhaft spielten; Es fehlten bestimmte Instinkte“, erklärte Stephen Neely, mein ehemaliger Professor, der jetzt Direktor des Marta Sanchez Dalcroze Training Center an der Carnegie Mellon ist. „Den Schülern wurde beigebracht, die richtigen Noten zur richtigen Zeit zu spielen, aber nie wurde ihnen beigebracht, zu fragen: ‚Wie fühlt es sich an?‘ und: ‚Wie fühlt es sich für dich an?‘“ Neely sagte, dass die Motivation für aufstrebende klassische Musiker zu oft auf der Idee basiert, dass man „Klänge erzeugen soll“. Wie er mir gegenüber betonte (und wie er weiterhin alle seine Schüler beeindruckt): „Die Rolle der Musik besteht darin, zu fühlen.“

Um dieses wesentliche Gefühl zu erschließen, beginnt Dalcrozes System damit, dass der Musiker sein Instrument beiseite legt. Neely sagte: „Der Körper ist das erste Instrument. In deiner Geige steckt keine Musik, es gibt keinen Grund, Geige zu spielen, außer zum Teilen. Was teilen Sie? Sie teilen die Musik, die in Ihrem ersten Instrument steckt: Ihrem Körper. Eu bedeutet gut, und Rhythmus bedeutet Fluss. Die Kurzdefinition lautet: Wir arbeiten für einen guten Fluss. Musik, die eine eurythmische Schwelle erreicht hat.“

Eurythmik-Kurs auf der International Conference of Dalcroze Studies — Foto von Charlie Claffey

Das wichtigste analytische Werkzeug von Dalcroze Eurythmics ist eine Bewegungsform namens plastique animèe, eine Art performative Analyse, die den Schülern ein neues Maß an Komfort beim Ausdruck eröffnet. Es bietet eine visuelle Darstellung der Musikalität, die Dalcroze auf der gedruckten Seite nicht finden konnte. Es ist eine Erkundung des Raums zwischen den Noten, und im Gegensatz zum Interpretationstanz bewegt sich der Übende nicht mit der Musik, sondern wird zu einem lebendigen Diagramm der Musik. Es ist eine Visualisierung dessen, wie sich die Musik anfühlt, ohne dass dieser Ausdruck durch Klang kommuniziert werden muss. Es ist daher nicht ungewöhnlich, dass plastique animèe in Stille aufgeführt wird, und laut dem Institut für Jaques-Dalcroze-Pädagogik gilt dies als Beweis dafür, dass „der Körper ein Musikinstrument ohne Qualifikation ist“. Einige Dalcroze-Praktizierende bezeichnen dies inzwischen als „Körperung“ der Musik.

Wenn man in lockeren Gesprächen das Wort „Eurythmics“ weglässt, regt das meist mindestens eine Person im Raum dazu an, mit dem Rezitieren von Texten von Annie Lennox zu beginnen, und fast niemand stürzt sich in einen plastique animèe-Rausch. Aber seit seiner Gründung vor über 120 Jahren fand Dalcroze Eurythmics eine Anwendung in der Entschlüsselung oder Entmystifizierung zeitgenössischer Musik. Der Gründer von Ballets Russes, Sergei Diaghilev, ging 1912 zum Dalcroze-Ausbildungszentrum in Hellerau in Dresden. Dort rekrutierte er auf Empfehlung von Jaques-Dalcroze die Tänzerin Marie Rambert, um sich seiner Kompanie anzuschließen und seinem Choreografen Vaslav Nijinsky bei der Interpretation zu helfen komplizierte Rhythmen von Strawinskys Frühlingsopfer, das im folgenden Jahr vom Ballet Russes in Paris uraufgeführt wurde.

In diesem Jahr gewann die Carnegie Mellon University den Zuschlag für die Ausrichtung der sechsten International Conference of Dalcroze Studies, bei der zeitgenössische Musiker in einem Großteil ihres Programms eine herausragende Rolle spielten. Nach zwei Wochen intensiver Workshops, Vorträge und Performances gipfelte die Konferenz in einem Live-Gespräch (per Webstream) mit Meredith Monk und einem gemeinsamen Auftritt zwischen dem Grammy-prämierten Vokalensemble Roomful of Teeth und Pittsburghs ansässiger zeitgenössischer Tanzkompanie Attack Theater .

Meredith Monk moderiert einen Vortrag auf der International Conference of Dalcroze Studies – Foto von Charlie Claffey

Monks fast zweistündiger Vortrag begann mit einer prägnanten Zusammenfassung des Werts, den ihre Erfahrung mit Dalcroze Eurythmics für ihre Arbeit gebracht hat. „Ich möchte meine Dankbarkeit dafür zum Ausdruck bringen, dass Dalcroze meine erste Ausbildung war“, sagte sie. „Es gibt keine integrativere Art, mit Musik, dem Körper und dem Leben zu arbeiten als seine visionäre Methodik.“ Ich war dankbar, dass sie meine eigenen Beobachtungen bestätigte und sagte: „Mir war nicht bewusst, wie sehr Dalcroze mich beeinflusst hatte, bis ich anfing, mit einigen klassisch ausgebildeten Sängern an [meiner Oper] Atlas für die Houston Grand Opera zu arbeiten.“ Ich machte eine Reihe rhythmischer Phrasen, die über eine Reihe anderer Phrasen gingen, und kam dann auf die große Phrase zurück, und sie fragten: „Wie machst du das?“ Ich sagte, ich weiß es nicht, es ist völlig intuitiv, und sie sagten: ‚Ah, das ist das Dalcroze-Training!‘“

Monk fuhr fort, eine Reihe von Punkten aufzulisten, die sich aus Dalcrozes Methoden ergeben und ihrer Meinung nach ihre künstlerische Stimme direkt beeinflusst haben. Sie nannte vor allem „multiperzeptive Modi“, also die Integration interner und externer Faktoren wie der Sinne, des Intellekts, des Geistes, des Raums, der Umwelt und natürlich des Körpers. Monk bezog sich sehr deutlich auf den „Geist der Verspieltheit“ in ihrer Arbeit, den sie Dalcroze zuschreibt.

Im Fall von Monk scheint die Schaffung vielschichtiger, theatralischer Werke, die Bewegung und Klang verbinden, eine fast zu offensichtliche Erweiterung von Dalcrozes Methode zu sein. Die Dalcroze-Gemeinschaft weist normalerweise schnell darauf hin, dass es sich bei plastique animèe nicht um einen Tanz handelt, und die Bewegung in vielen von Monks Stücken fühlt sich tendenziell genauso an – sie begleitet nicht die Choreografie, sondern ist Teil der Musik.

Meredith Monks ATLAS präsentiert vom Los Angeles Philharmonic – Foto von Mathew Imaging

Für einige liegt Monks Musik außerhalb des Zugänglichen und gilt als ungewöhnliche, avantgardistische Hochkunst. Die Hyperkomplexität von Brian Ferneyhough, die außermusikalischen Techniken von Helmut Lachenmann und die mikrotonalen Konstruktionen von Harry Partch teilen benachbarte Räume mit Monks Werk, und obwohl diese Stimmen alle erheblich unterschiedlich sind, kann sich das Publikum möglicherweise nur mit Musik identifizieren dies eher mit ihren Emotionen als mit ihrem Intellekt; wie sie sich dabei fühlen. Als Künstler kann die Verwendung von Bewegung als Werkzeug zur Erkundung des Gefühls, das die Klangerzeugung umgibt, eine visuelle Roadmap sein. Die Dalcroze-Perspektive legt nahe, dass es dort, wo eine menschliche Verbindung besteht (ein Darsteller vor einem Publikum), immer ein Gefühl oder emotionales Material gibt, das der Darsteller freisetzen kann. Unabhängig davon, wie intellektuell die musikalischen Strukturen sind, kann eine eurythmische Schwelle erreicht werden.

Zum Abschluss der Konferenz trat Roomful of Teeth im Philip Chosky Theater der Carnegie Mellon University in einem Programm mit dem Titel „Blurred Bodies“ auf. Die Aufführung beinhaltete eine vollständig choreografierte Erzählung von Peter Kope, dem künstlerischen Leiter des Attack Theatre, mit der Vertonung von „The Ascendant“ des Komponisten Wally Gunn und der Dichterin Maria Zajkowski. Obwohl Roomful of Teeth das Stück schon viele Male auf der ganzen Welt aufgeführt hat, bemerkten sie auf der Bühne, dass dies das erste Mal sei, dass es choreografiert worden sei. Um die Botschaft der Konferenz zu demonstrieren, führte Attack Theater zunächst die letzte Szene in völliger Stille auf, die an plastique animèe erinnerte und zur Freude des gut informierten, Dalcroze-orientierten Publikums war.

Attack Theater tritt mit Roomful of Teeth auf der International Conference of Dalcroze Studies auf – Foto von Charlie Claffey

Inspiriert von der Konferenz teilte ich Professor Neely mit, dass meine Ausbildung in Dalcroze unter seiner Anleitung für mich erst vor kurzem begonnen hatte, sich zu entschlüsseln. „Die meisten von uns brauchen ein Jahrzehnt, um genug Erfahrung zu haben, um es zu vergleichen und zu denken: Oh, Moment, da war etwas, ich hätte anders darauf achten können“, sagte er. „Die meisten von uns sind in diesem Alter noch nicht bereit, das große Ganze zu sehen … Wie kann ich Ihnen sagen, was Sie lernen sollen? Ich kann dir nur Türen öffnen.“

Ich habe kürzlich mit Billy Holtz gesprochen, einem aufstrebenden Absolventen der Carnegie Mellon School of Music, der ein außergewöhnliches Gespür und eine Vorliebe für Dalcroze Eurythmics gezeigt hat. Holtz, ein Bratschist und angehender Dirigent, sagte: „Ich finde die Vorteile als Dirigent interessant, einfach so viel Zeit vor Leuten zu verbringen.“ Am ersten Tag von Eurythmics geht es darum, durch den Raum zu gehen und wir sind alle total verunsichert, super selbstbewusste Studienanfänger, die gerade erst aufs College gekommen sind. Am Ende führt man dann drei Minuten lang in aller Stille vor 70 Leuten eine plastique animèe auf, und das ist ganz normal. Als ich anfing, auf dem Podium zu stehen und zu dirigieren, fühlte ich mich viel wohler als zuvor. Es hat so viel zu meiner Musikalität beigetragen, wie zum Beispiel, dass ich gelernt habe, Bewegungen auszudrücken … Eurythmics hat es mir auch leichter gemacht, Risiken einzugehen. Es öffnet die Tür für eine völlig neue Welt interpretativer Entscheidungen und neuer Möglichkeiten.“

Es war beruhigend zu hören, dass diese modernen College-Studenten ein Vierteljahrhundert nach meinem ersten Studienjahr immer noch mit denselben grundlegenden Übergangsriten zu kämpfen haben. Sie machen es immer noch so wie wir es früher getan haben! Ob der heutige Dalcroze-Student auf College-Niveau versucht, seine Bach-Chaconne zu perfektionieren, eines Tages für Roomful of Teeth vorspricht oder dazu bestimmt ist, der Meredith-Mönch seiner Generation zu werden, das Potenzial, das ihm diese Ausbildung verleiht, wird sich tiefgreifend entfalten, wenn er auf seinem Weg voranschreitet Reise in die Musik.

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Christian Kriegeskotte (er/er) ist ein Komponist, Autor und angehender Audiophiler, der professionell in der Produktion von Spielfilmmusik, im Künstlermanagement und in der Mainstream-Plattenindustrie gearbeitet hat. Er erhielt seinen BFA und Master of Music von der Carnegie Mellon University und lebt derzeit in Pittsburgh, PA.